Руслан Паушу "Ошибки в самопробах. Серия «Актерские грёзы»"

Ошибки в самопробах. Серия «Актерские грёзы»
Руслан Паушу

В этой методичке собраны наиболее частые ошибки артистов при записи самопроб.Приведены примеры таких ошибок и рекомендации по исправлению.

Ошибки в самопробах

Серия «Актерские грёзы»

Руслан Паушу

© Руслан Паушу, 2024

ISBN 978-5-0064-1539-3

Создано в интеллектуальной издательской системе Ridero

Самопробы

Самопробы чаще всего не имеют отзыва и комментария. Актера либо утверждают на роль, либо нет. В случае неудачи бедный актер не знает, что он сделал не так, что исправить и как надо.

Само понятие «САМОпроба» говорит о том, что актер пробует сыграть роль сам. Без режиссерской задачи, без партнера. Есть только текст сцены и, как правило, скудно описанный персонаж.

От актера требуется записать свою игру на видео и прислать кастинг-директору.

Давайте попробуем разобраться, что важно знать при записи самопроб.

Монотонность артиста

Монотонностью артиста я называю состояние, когда артист существует в одном темпоритме, не меняясь по всей сцене. Это очень опасная вещь для артиста.

Артисту кажется, что он все делает правильно. Он находится в задаче, в предлагаемых обстоятельствах, чувствует то, что чувствует его персонаж. Но внешне это выглядит однообразно.

Самопроба длится три минуты, и все три минуты артист делает одно и то же. Он начинает играть одно психологическое действие и в одном состоянии проводит всю сцену. Изменения незначительные.

В этом и таится опасность. Артист уверен, что все делает правильно и режиссеры и продюсеры просто не могут разглядеть его талант и мастерство. Но на самом деле он делает все скучно и однообразно. Это неправильно. Именно поэтому его не утверждают.

Монотонностью болеют многие. Смотришь самопробы и видишь, как артист в начале сцены начинает говорить однообразно и так продолжает до конца. Он играет в одном состоянии одно действие. Это очень тоскливо и уныло.

Поначалу кажется, что артист все делает правильно. Но через 20—30 секунд видно, что ничего не меняется. Артист как зашел в сцену, так в ней и остается две-три минуты. Это становится заметно очень быстро. Если ничего не измените, то пропадете для режиссера как артист. Про вас никто не вспомнит, и на вас навесят ярлык монотонного и скучного артиста.

Мы поговорим о том, как этого избежать. Когда слышите, что играете скучно и за вами неинтересно наблюдать, это часто значит, что играете в одном и том же темпоритме. Возможно, одно действие или эмоцию вы играете гениально. Но играете это всю сцену. Первые пять секунд – гениально, а потом – скучно.

Существование в одном темпоритме и называют монотонностью. Когда играете одно и то же состояние, одно и то же действие, в одних и тех же обстоятельствах, да еще и монолог на три страницы текста, все вокруг засыпают.

Некоторые артисты нарабатывают навык выразительного чтения текста. Они могут выразительно и красиво рассказать любой текст, будь то телефонный справочник или реферат по национальному движению в Южной Африке 70-х годов. Я называю это «литературой». У многих артистов есть этот навык, и они его используют. Некоторые продюсеры считают это хорошей игрой.

Артист красиво говорит, меняет интонации и делает паузы. Но это не для кинематографа. Выразительное чтение необходимо только для выразительного чтения. Аудиокнигу можно записать в студии, и получится очень хорошо. Но для игры на сцене и в кадре нужна эмоция.

Почему же артист существует монотонно и играет одно действие?

Часто артист ставит себе статические задачи. Это может быть результат обучения в вузе, подсказок мастера или собственного решения. Артист решает, что его персонаж и сцена должны быть статичными.

Например, вы играете учительницу, у которой не ладятся отношения с дочерью. Дочь ненавидит мать, и вся сцена про то, как мать выгоняет дочь из дома.

Как артист объясняет себе задачу: «Она строгая, безэмоциональная, привыкла, чтобы ее слушались, не любит хамства, не терпит возражений, не слышит дочь, считает ее невоспитанной, потерянной и думает, что сама допустила ошибку в воспитании. Она срывается – дочь уходит».

Артист описывает свою героиню статично, используя статичные характеристики. Это приводит к тому, что артист запирает себя в эти характеристики и играет, соблюдая их. В сцене ничего не меняется: в решении сцены, в эмоциях. Артист в одном состоянии играет одно и то же действие.

Чтобы ваша игра была наполнена интересными решениями, не описывайте своего персонажа статичными характеристиками.

Не говорите, что она добрая, хорошая и так далее. Не описывайте статичными характеристиками действия в сцене, например, «она его ругает», «она его любит», «она его терпит».

Всегда описывайте в динамике, ведите описание по арке. Даже эпизодические роли требуют динамических характеристик, ведь эпизод – это тоже человек, который совершает определенные действия.

Описывать динамические характеристики непросто. Это сложная работа, требующая навыков и времени.

Возьмем пример с учительницей, которая ругается с дочерью и выгоняет ее из дома.

Пример динамических характеристик:

1. Учительница строгая до того момента, пока не понимает, что сделала кому-то больно. Когда она осознает это, в ней проявляется сострадание, но уже после того, как человек ушел.

2. Она не любит, когда с ней пререкаются. Но если человек, который с ней пререкается, говорит вещи, которые ее задевают эмоционально, она запирается в себе и становится еще жестче.

3. Долгие разговоры утомляют ее, она начинает раздражаться, когда разговор затягивается. Чем дольше идет разговор, тем больше она раздражается и может просто перестать отвечать на вопросы.

Эти три характеристики можно сыграть и развить в сцене. Выбирайте характеристики, которые позволяют вашему персонажу меняться, развиваться и реагировать на происходящее.

Динамическая характеристика – это модель поведения. Она включает начальное состояние, возбудитель и финальное состояние. Любой персонаж должен иметь арку: каким он был и каким стал.

При подготовке к пробам попробуйте описать своего персонажа, придумав ему пять характеристик. Каждая характеристика должна содержать три состояния, чтобы они менялись.

Так ваша сцена наполнится действиями и состояниями, а у вас будет полный багаж знаний о своем персонаже.

Примеры динамических характеристик

Начальное состояние: строгая

Возбудитель: понимание, что сделала кому-то больно

Финальное состояние: сострадательная

Начальное состояние: не любит пререканий

Возбудитель: эмоционально задевающие слова

Финальное состояние: запирается в себе и становится жестче

Начальное состояние: утомляется от долгих разговоров

Возбудитель: затягивающийся разговор

Финальное состояние: раздражается и перестает отвечать на вопросы

Начальное состояние: спокойная

Возбудитель: несправедливое обвинение

Финальное состояние: возмущенная и обиженная

Начальное состояние: уверенная в себе

Возбудитель: неожиданное препятствие

Финальное состояние: смущенная и растерянная

В процессе описания вы поймете, насколько это сложно. Это нормальное состояние для творческого человека – муки творчества. Через них вы приходите к удовольствию от работы и результата.

Возможно, вы ошибетесь с решением персонажа. Но режиссер увидит, что вы работали над ним, и, если нужно, подправит. Главное, что вы знаете все о своем персонаже, и у вас будет достаточно материала, чтобы сыграть его в одной сцене.

Чтобы осознать модель поведения и закрепить знания, их нужно проговорить вслух. Это действительно работает. Вербальное общение неестественно для организма, ведь животные не разговаривают. Человек придумал вербальное общение для передачи структурированных знаний.

Когда вы начинаете говорить вслух о том, что у вас в голове, ваш мозг превращает визуальные образы в слова. Они начинают подгоняться под структуру, и вы неосознанно все это запоминаете естественным образом.

Поэтому описание персонажа в динамических характеристиках нужно проговорить вслух. Когда вы проговорите придуманные характеристики и состояния, у вас в голове сформируется структурное видение персонажа. Это поможет вам разбирать сцену с опорой на это видение.

Запишите от руки все, что придумали. Это подключит аналитическое мышление, и структура будет состоять из трех уровней: визуального, вербального и модели. Записывание от руки также помогает лучше запомнить текст.

После этого начинайте играть. Вы заметите, что сцена становится интереснее и исчезает монотонность. Но если сцена все еще скучна, возможно, вы не играете настоящую эмоцию или пытаетесь ее изображать.

Чтобы действие и состояние развивались в сцене, их нужно проживать и чувствовать. Сопереживайте своему персонажу. Существуйте в каком-либо состоянии или эмоции. В ходе сцены меняйтесь из одного состояния в другое. Из боли приходите в счастье, из зависти – в любовь, из чувства несправедливости – в эйфорию. Это изменение должно быть из одного крайнего состояния в другое крайнее состояние.

Никогда не играйте одно и то же больше двух раз в рамках одной сцены. Это поможет избежать однообразности и сделает вашу игру живой и динамичной.

Почему нельзя играть эмоцию?

Многие артисты, особенно театральные, на сцене воспроизводят свое представление об эмоции. Выглядит это в большинстве случаев ужасно.

Артисты не понимают, что значит прожить эмоцию. Они думают: «Вот я живу, нахожусь в предлагаемых обстоятельствах, продумал своего персонажа, проживаю вместе с ним все эмоции и чувствую всё».